Banda sonora OTHER MOMMY Patrick Jonsson
Aquí están los detalles de la banda sonora de LA OTRA MADRE (OTHER MOMMY Patrick Jonsson) editada por Waxwork Records.
Descubre Other Mommy soundtrack y todos los secretos de las bandas sonoras sin gastar nada. Para eso estamos nosotros, que nos dejamos algunos euros al año para comprar bandas sonoras de Waxwork, escucharlas, valorarlas y enseñároslas
Other Mommy
Original Motion Picture Soundtrack
Edición LP color dividido en rojo y blanco
Arte de Steve Reeves y arte de las fundas interiores de Steven Caceres
Precio: 32,95 €
Fecha de salida: Diciembre de 2026
Patrick Jonsson convierte lo familiar en algo que ya no termina de ser humano
Una madre debería ser una de las presencias más fáciles de reconocer para una niña.
Patrick Jonsson construye la banda sonora de Other Mommy precisamente alrededor del instante en que ese reconocimiento empieza a fallar.
La película de Rob Savage, estrenada en España como La otra madre, adapta la novela Incidents Around the House de Josh Malerman y sitúa a Bela frente a una entidad que adopta la apariencia de su propia madre. Jessica Chastain interpreta ambos rostros, el conocido y aquel que se parece demasiado al conocido.
Ahí encontró Jonsson la puerta de entrada a la partitura.
Algo aparentemente humano que conserva una pequeña incorrección.
Una voz que casi parece una voz.
Un instrumento acústico que termina sonando electrónico.
Una cuerda real tratada hasta perder parte de su naturaleza.
Una música que ofrece refugio al mismo tiempo que empieza a cerrar la puerta detrás de Bela.
Los 26 cortes, publicados digitalmente por Back Lot Music el 9 de octubre de 2026, suman aproximadamente 47 minutos y 23 segundos.
Y cuanto más avanza el disco, menos sencillo resulta decidir qué estamos escuchando realmente.
El terror empieza cuando algo resulta casi correcto
Patrick Jonsson ha utilizado una expresión especialmente útil para explicar su planteamiento que es el valle inquietante.
Other Mommy intenta parecer normal. El problema está en esa fracción mínima que delata que debajo existe otra cosa.
La música adopta el mismo comportamiento.
El álbum evita depender exclusivamente de golpes orquestales, graves amenazantes o grandes explosiones de terror. Buena parte de su incomodidad aparece en sonidos cuya procedencia resulta difícil localizar.
Jonsson quería mezclar instrumentos acústicos y electrónicos hasta difuminar su frontera. Para conseguirlo grabó una sección de 22 cuerdas en Berlín, a la que pidió interpretaciones deliberadamente rígidas, incómodas o alejadas del sonido tradicionalmente bello. Después podía repetir, procesar o fragmentar aquellas grabaciones hasta acercarlas al comportamiento de un sintetizador.
Eso explica una característica que atraviesa la escucha completa.
La partitura parece estar permanentemente imitándose a sí misma.
Un sonido orgánico puede adquirir una precisión artificial.
Una textura electrónica conserva una respiración extrañamente física.
Y la frontera entre ambas desaparece justo donde empieza a resultar desagradable.
Es la lógica de Other Mommy convertida en música.
Other Mommy o una criatura que aprende a hablar
El álbum tarda apenas tres cortes en preparar el terreno antes de llegar a Other Mommy.
WTF funciona como una descarga inicial de apenas veintiocho segundos. Boats y Vulchy! empiezan a retirar certezas y, cuando aparece el tema titular, Jonsson ya nos ha colocado en un lugar donde las texturas importan tanto como las notas.
Uno de los elementos decisivos de esa identidad es el daxófono.
Se trata de un instrumento poco habitual formado por lengüetas de madera que se hacen vibrar y se amplifican mediante micrófonos de contacto. Jonsson quedó fascinado precisamente porque podía producir algo semejante a una voz humana sin llegar a comportarse como una voz real.
Para una criatura cuya naturaleza consiste en imitar, difícilmente podía encontrar un instrumento más apropiado.
El compositor llegó a encargar uno específicamente después de conocerlo gracias a Ioana Șelaru, responsable de música adicional junto a Richard Collins. Incluso dejó huecos dentro de la partitura esperando a que el instrumento estuviera terminado y pudiera incorporarlo.
La elección resume prácticamente todo el score.
Other Mommy suena cercana porque necesita resultar familiar.
Y suena incorrecta porque necesita que desconfiemos de esa familiaridad.
Las voces o cuando cantar deja de tranquilizar
La voz humana ocupa otro lugar fundamental.
Jonsson trabajó con las cantantes Erin Birgy y Sally Stanning, explorando maneras de alterar la voz desde el propio momento de la grabación, como cantar hacia tambores y cámaras resonantes, modificar la proyección o cambiar la forma en que el sonido sale de la boca antes de someterlo posteriormente a más procesamiento.
El resultado encaja especialmente bien con piezas como Can I Go Into Your Heart? o They Don’t Care Like I Do.
Aquí el miedo empieza a adquirir una cualidad mucho más íntima.
La entidad necesita algo de Bela.
Pero antes necesita convencerla.
La música puede acercarse entonces a una especie de falsa ternura con una suavidad que conserva alguna imperfección en los bordes.
Ese mecanismo resulta más perturbador que presentar a Other Mommy desde el principio como una criatura monstruosa.
Primero debe parecer una alternativa y después empezará a parecer una amenaza.
Bela busca refugio y Other Mommy aprende a ofrecerlo
Jonsson ha explicado que el verdadero centro emocional de la película podía condensarse en una palabra:
Refugio.
Bela siente que sus padres han dejado de proporcionárselo. Su relación está deteriorada, existen secretos dentro de la familia y la niña percibe un vacío que Other Mommy aprende a ocupar.
Por eso su acercamiento inicial a la criatura contiene curiosidad además de miedo.
Escuchar el álbum desde esa idea modifica por completo temas como Can I Go Into Your Heart?, They Don’t Care Like I Do, Exactly Where I’m Supposed To Be, Shelter o Just a Hug Bela.
Los títulos ya hablan de pertenencia, exclusión, afecto y protección.
La partitura tampoco establece desde el principio una línea sencilla entre música de la familia y música del monstruo.
Todo se mezcla porque el peligro funciona precisamente así.
Other Mommy intenta presentarse como respuesta a una necesidad real.
Jonsson puede entonces permitir que ciertas texturas sean frágiles o casi reconfortantes antes de introducir algo que rompe esa seguridad.
El terror nace del desplazamiento.
Un sonido permanece donde estaba.
Pero deja de significar lo mismo.
Ballpit o una bicicleta averiada convertida en instrumento de terror
Uno de los detalles más extraños del proceso aparece en Ballpit.
Jonsson estaba regresando a casa en una bicicleta de alquiler cuando descubrió que los radios de una de las ruedas estaban flojos. Al girar producían un sonido percusivo acompañado por una serie de resonancias metálicas.
En lugar de maldecir la bicicleta, sacó el teléfono.
Grabó la rueda a diferentes velocidades y en distintos espacios, pasando incluso por túneles y zonas con acústicas diferentes.
Aquella bicicleta rota terminó convirtiéndose en parte del sonido de la escena de la piscina de bolas.
Escuchado dentro del álbum, Ballpit tiene precisamente una actividad rítmica mucho más marcada que buena parte de los temas que lo rodean.
Y el procedimiento explica algo esencial acerca de la partitura.
Jonsson busca sonidos que todavía conserven una historia física.
Madera. Voz. Cuerdas. Metal. Y una rueda defectuosa.
Después puede procesarlos, repetirlos o deformarlos, pero debajo sigue existiendo algo que ocurrió realmente delante de un micrófono.
Eso proporciona al score una suciedad difícil de conseguir partiendo únicamente de sonidos generados dentro de un ordenador.
Red Eyes y Seance o la música empieza a ocupar más espacio
La primera mitad del álbum contiene muchos cortes breves.
Sus apariciones son rápidas.
Insinúan. Retiran información. Y dejan huecos.
Por eso Red Eyes, con más de tres minutos, supone una primera expansión importante. La música tiene tiempo para desarrollar la tensión y permitir que los materiales respiren antes de cambiar de forma.
Más adelante, Seance vuelve a ampliar la escala.
La escucha empieza a desplazarse entonces desde el miedo doméstico y pequeño hacia una amenaza que ya necesita ocupar más espacio.
Jonsson entiende además que cada sobresalto necesita una preparación diferente.
Él mismo ha explicado que con Rob Savage aprendió a distinguir entre sustos casi cómicos, impactos reales y momentos cuya eficacia aumenta precisamente cuando la música decide retirarse. Guardar energía permite que los últimos compases dispongan de mucha más fuerza cuando llega el momento de liberarla.
Esa economía se percibe bien en el álbum.
Hay silencios.
Hay pasajes con muy poco material.
Hay sonidos que apenas se insinúan.
Después aparecen Weapons, Barricade o los grandes cortes finales y la música puede crecer porque anteriormente había dejado espacio para hacerlo.
Origin o entender algo tampoco significa dejar de temerlo
Origin supera los tres minutos y llega en un momento donde el álbum ya ha establecido casi todas sus reglas.
La pieza funciona como un cambio de perspectiva.
Después de tanta amenaza inmediata, aparece una música con mayor capacidad de observar.
La densidad disminuye durante parte de su recorrido y el material adquiere un carácter diferente al de los temas construidos alrededor del sobresalto.
Es una de las virtudes del disco como escucha independiente.
Jonsson evita mantener cuarenta y siete minutos bajo el mismo grado de presión.
Hay zonas donde el miedo procede de la anticipación.
Otras dependen de la violencia.
Y otras permiten detenerse ante aquello que hemos ido descubriendo.
Ese contraste prepara especialmente bien el tramo final.
You’re Broken y cuatro minutos para romper la contención
You’re Broken es el corte más largo del álbum.
4:18 minutos.
Después de más de cuarenta minutos administrando pequeños gestos, sonidos deformados y estallidos relativamente breves, Jonsson dispone aquí del tiempo necesario para reunir buena parte de la violencia acumulada.
La pieza crece por etapas.
La tensión puede retirarse momentáneamente y volver con mayor peso.
Las capas empiezan a competir.
Los sonidos que antes podían observarse de forma aislada aparecen ahora dentro de una masa mucho más agresiva.
Jonsson ha explicado que la secuencia donde Other Mommy pasa de representar una amenaza a atacar abiertamente a la familia fue una de las partes que más versiones necesitó, precisamente por la enorme densidad del diseño sonoro de la escena y por la dificultad de encontrar espacio para la música.
En el álbum esa búsqueda termina funcionando como liberación.
La partitura había pasado mucho tiempo insinuando aquello que vivía debajo de la superficie.
Aquí ya puede enseñarlo.
La reprise o volver a escuchar a Other Mommy después de conocerla
Después del clímax aparece Other Mommy Reprise.
El regreso al material de la criatura tiene una función especialmente eficaz porque nosotros hemos cambiado desde su primera aparición.
Al principio desconocíamos hasta dónde llegaba aquella voz.
Ahora ya sabemos lo que puede esconder.
La reprise conserva el parentesco con el tema anterior mientras modifica su peso dentro del álbum. Lo familiar vuelve a aparecer después de haber sido contaminado por todo lo sucedido entre ambas versiones.
Y End Credits termina de recoger ese vocabulario sin convertir el cierre en una simple explosión final.
La última impresión permanece cerca del concepto con el que Jonsson comenzó:
Algo reconocible. Algo orgánico. Algo humano.
Y una desviación mínima que hace imposible confiar del todo.
Waxwork Records lleva Other Mommy al armario del coleccionista
Waxwork Records ha preparado una edición física muy coherente con esa dualidad.
El disco está prensado en vinilo dividido rojo y blanco iridiscente, una combinación que enfrenta dos colores con una lectura bastante evidente. Es como enfrentar cuerpo y apariencia, amenaza y pulcritud o aquello que vemos con aquello que puede esconderse debajo.
La edición utiliza una carpeta de alto gramaje con acabado mate satinado y una funda interior impresa a todo color. El arte principal pertenece a Steve Reeves, el interior a Steven Caceres y el diseño a Matt Needle. Waxwork anuncia además que contiene la partitura completa de Patrick Jonsson.
Hay un pequeño matiz importante respecto a la fecha: la edición ha sido anunciada y puesta en preventa durante 2026, pero Waxwork indica actualmente que los envíos están previstos para enero de 2027.
Ecos de Partitura
Other Mommy supone un nuevo encuentro entre Patrick Jonsson y Rob Savage después de The Boogeyman, adaptación de Stephen King estrenada en 2023. La relación entre ambos, sin embargo, viene de mucho antes. Jonsson conoció el trabajo del director cuando todavía realizaba cortometrajes y desde entonces han desarrollado un lenguaje común alrededor del terror y de cuánto puede sugerirse antes de mostrar.
Aquí esa complicidad desemboca en una partitura bastante diferente de una aproximación puramente orquestal.
Jonsson reconoce influencias y afinidades con películas y músicas como Under the Skin, The Exorcist o It Follows, aunque explica que el principal impulso fue precisamente evitar una solución sinfónica convencional.
La consecuencia es una música que posee cuerdas, voces e instrumentos acústicos y dedica buena parte de su energía a conseguir que dejemos de reconocerlos.
Ese es probablemente el mayor acierto de Other Mommy.
La criatura adopta el aspecto de una madre.
El daxófono adopta algo parecido a una voz.
Las cuerdas empiezan a comportarse como máquinas.
Una rueda de bicicleta termina dentro de una piscina de bolas.
Y Bela escucha una promesa de protección procedente justamente del lugar del que debería huir.
Jonsson convierte cada una de esas contradicciones en parte del mismo idioma.
Por eso el score funciona tan bien fuera de la película.
Puedes cerrar los ojos.
La casa sigue ahí.
El problema es que ahora resulta mucho más difícil decidir qué está respirando dentro.
Únete a nosotros en este viaje por la música de cine
Aunque aún estamos afinando los últimos detalles de nuestra exclusiva newsletter para ofrecerte la mejor experiencia, tu anticipada suscripción te garantizará que no te pierdas ninguna actualización, lanzamiento exclusivo o contenido especial.
Sobre los enlaces externos
En algunas reseñas de TodoSoundtrack encontrarás botones hacia sellos discográficos o tiendas especializadas donde localizar la edición comentada. Son enlaces editoriales incluidos para ampliar la información del lector y facilitar el acceso a lanzamientos físicos difíciles de encontrar.
TodoSoundtrack no es una tienda ni un escaparate de ofertas. Los enlaces externos se incorporan con criterio informativo y no alteran la valoración editorial de la banda sonora, la edición física ni el sello que la publica.
Otras preventas y lanzamientos de Waxwork Records
¿Por qué nace Todo Soundtrack?
Desde mi adolescencia, las bandas sonoras han resonado como la música de fondo de mi vida, no solo realzando las películas que me encanta ver. En los años 1987 y 1988, mi vida tomó un giro decisivo y la música de las películas que disfrutaba en el cine o que alquilaba en el videoclub se transformó en mi ancla. No obstante, solo recientemente he tomado plena conciencia del papel crucial que desempeñó en aquel entonces.
"Fievel y el Nuevo Mundo" (An American Tail, 1986), una obra del gran James Horner, fue la primera banda sonora de película que adquirí en un diminuto establecimiento especializado ubicado en la calle Andrés Borrego, en el corazón de Madrid. Fue en Cinescor donde mi viaje comenzó.